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December 24, 2015

Lo mejor del arte en Lima - 2015

2015 has been a very gratifying year for me. It started a little bit slow, and perhaps with more bad news than good ones. Sometimes it’s hard to deal with certain situations, and I must say the beginning of this year caught me completely off guard. Fortunately, I somehow managed to find the energy to start new projects. 

In April 2015 I started putting together a new comic book with stories either written or drawn by me. I wanted to make sure the comic would be on ComiXology so I had to meet a tight deadline. 

In November, Dawn of the Undead was already available for sale on ComiXology while I was proudly holding in my hands a printed version of the book. 

So, just like I predicted in December 2014, this was a much better year for me. In fact, December was a particularly rewarding month. I finally completed my thesis and my dissertation went very well. 

And if that isn’t reason enough to celebrate, I also won an important comic book award in an annual event organized by my own university. 

Since I started this blog I have always showcased my own artwork but I have also analyzed the artistic proposals of Peruvian artists. 

It gives me great pleasure to find such fascinating works this year so I’ve decided to make a selection of the best of 2015.

Best artist: Renzo Núñez Melgar Vega (REVE)

Best solo exhibit: José Luis Carranza

Best collective exhibit: Modern Love

Best new talent: José Gabriel Alegría Sabogal

Best artistic proposal: Iván Fernández-Dávila (“Expresionismos”)

Best retrospective: Mundo cuy: retrospectiva de Juan Acevedo - ICPNA

Best international art exhibit: David LaChapelle - Fotografías 1984-2013

As usual, this selection includes mostly Peruvian artists, however, in the international section you’ll find American photographer David LaChapelle. Unlike previous years, this time I’m not including anything from MATE (Mario Testino Foundation), although I did go there a few weeks ago and I was once again very impressed with its photography collection.

In my next post you’ll discover the finest authors and best comic books of 2015. Yes, it’s the fifth edition of the famous and prestigious AAA (Arion's Achievement Awards). It’s always a lot of fun to do this list, and I hope it will inspire all of you to do similar lists (of course, you’re more than welcome to post them in the comments section). 

Once the AAA is done, the year will be officially over (and I’ll be off for a few days, enjoying my well-deserved vacations). Stay tuned, my friends. And don’t forget to leave as many comments as you want. 
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El 2015 ha sido un año muy interesante. Aunque los primeros meses fueron, más bien, poco memorables, en abril empecé a preparar un nuevo proyecto. Hice una selección de mis mejores historias cortas (escritas y/o dibujadas por mí) y las reuní en un mismo cómic; la mayoría había sido publicada previamente a blanco y negro y muchas tenían un rotulado bastante simplón, por lo tanto, en esta ocasión fue necesario pedirle a ayuda a un gran número de colaboradores (dibujantes a lápiz, entintadores, coloristas y rotulistas).
Reve
Desde un principio mi meta era que el cómic estuviese a la venta en ComiXology, así que sabía que tenía que tener todo listo antes de julio (como había comprobado el año pasado, la subsidiaria de Amazon puede tardar hasta 5 meses para aprobar los cómics de autores independientes). Por suerte, fue posible cumplir con el plazo de entrega y en noviembre el cómic Dawn of the Undead salió a la venta en ComiXology. Casi en la misma fecha, también salió la versión impresa del cómic.

Finalmente, diciembre fue un mes muy gratificante. Terminé de escribir mi tesis de licenciatura, y mi sustentación fue todo un éxito. Al mismo tiempo, gané el primer puesto en el concurso de historietas organizado por la facultad de comunicaciones de la PUCP. El premio, sin duda, fue una enorme alegría, sobre todo porque en años anteriores había participado en el concurso (el 2008 y el 2009) sin haber obtenido ningún reconocimiento, y luego de una mención honrosa (el 2010) había dejado de enviar trabajos. Por suerte, en esta ocasión decidí hacer un último intento y el resultado fue totalmente favorable. 

Como siempre, este año mi interés por el arte me llevó a innumerables muestras y creo que es justo, y hasta necesario, establecer en líneas generales un balance de lo mejor del arte en Lima.

Mejor artista: Renzo Núñez Melgar Vega (REVE)

Mejor muestra individual: José Luis Carranza 

Mejor muestra colectiva: Modern Love 

Mejor nuevo talento: José Gabriel Alegría Sabogal 

Mejor propuesta artística: Iván Fernández-Dávila (“Expresionismos”)  

Mejor retrospectiva: Mundo cuy: retrospectiva de Juan Acevedo - ICPNA

Mejor muestra de arte internacional: David LaChapelle - Fotografías 1984-2013 

Hace más de 5 años conocí a Renzo Núñez Melgar Vega (alias REVE), y cuando vi sus cuadros por primera vez comprendí que se trataba de un artista extraordinario. Con disciplina y mucho tesón, Renzo ha mantenido firme su rumbo en el siempre veleidoso mundo del arte. En el Centro Colich, el gran artista nos sorprendió con “La publicidad que no conocías”, muestra que unía a las estrellas del rock de los 60s y 70s con los productos nacionales de consumo masivo, en una lúcida amalgama visual que destacaba por su insuperable técnica pictórica.
¡por fin gané!

La mejor muestra individual del 2015 es “Catedral” de José Luis Carranza. La Galería Enlace nuevamente ha tenido el acierto de darle protagonismo a uno de los mejores artistas de nuestro país. Carranza regresa con energías renovadas, fiel al estilo que lo caracteriza y haciendo un gran despliegue de creatividad; su impresionante imaginación ha cautivado ya a infinidad de espectadores.  

Llegué a ver bastantes muestras colectivas a lo largo del año, pero ninguna me pareció tan armoniosa en su propuesta como “Modern Love”. Dédalo una vez más ha marcado la pauta, con una colectiva de artistas (Sheila Alvarado, Andrea Barreda y Yulia Katkova) que abordan el amor desde una perspectiva fresca y novedosa. Espero ver más trabajos de ellas en el 2016.

Además de nombrar a artistas ya establecidos, siempre es bueno dar una mirada a aquellos que recién están comenzando. En mi opinión, el mejor artista joven del 2015 es José Gabriel Alegría Sabogal, quien impresionó al público con su muestra “Hipnógrafos” en el Centro Colich. Por esas curiosas coincidencias, me encontré con José Gabriel el día de la ceremonia de premiación del concurso de historieta de la PUCP. 

Desde hace varios años, Iván Fernández-Dávila ha perfeccionado su estilo y ha ido alcanzando, cada vez con mayor rigurosidad, una estética propia y sumamente personal. Este año, Iván nos deleitó con “Expresionismos”, individual presentada en el Museo Pedro de Osma. Los cuadros de la muestra hablan por sí solos, a la vez que establecen una línea conductora que nos remite a exposiciones previas. Por eso, considero que es la mejor propuesta artística del año.

He sido fan de Juan Acevedo desde que era niño. Sus cómics siempre han tenido un encanto especial y no en vano se le reconoce como el principal exponente del noveno arte en nuestro país. Al fin, el ICPNA reconoció su importante labor creativa con una espectacular retrospectiva, que reunía más de 400 originales del artista limeño. 

Este año el MAC se lució con la magnífica exposición de David LaChapelle “Fotografías 1984-2013”. Las salas del Museo de Arte Contemporáneo de Barranco cobraron vida con las alucinantes imágenes de LaChapelle. Fue un verdadero lujo observar de cerca la obra de uno de los mejores fotógrafos contemporáneos a nivel mundial. Esta ha sido, de lejos, la mejor muestra de arte internacional.

May 1, 2015

Expresionismos - Iván Fernández-Dávila (Museo Pedro de Osma)

Esta noche se inauguró en el Museo Pedro de Osma "Expresionismos", individual de Iván Fernández-Dávila.
Susana y los viejos

No es la primera vez que Iván nos sorprende con sus cuadros llenos de vitalidad y de figuras anhelantes inundadas por intensas ráfagas cromáticas. 


Con cada muestra, el lenguaje del artista se ido afianzando más y más, mientras que la rigurosa técnica ha ido de la mano con la pasión del verdadero creador.


También, y esto es importante, Iván ha logrado plasmar en el lienzo sus preocupaciones filosóficas y sus reflexiones más íntimas. 


"Cada exposición de Iván es una presencia osada, encontrando en su trajinar audaz un abanico de evocaciones que bregan por la eternidad, dilucidando a su magnífica obra perspectivas dentro de un escenario de sentidos fraccionados [...] Esta nueva propuesta pictórica de Iván Fernández-Dávila en el Museo Pedro de Osma, donde sus pasiones se anudan, destellan y convergen con su excelente técnica, nos permite corroborar su gran talento que ha sido puesto de manifiesto en nuestro país y el extranjero", afirma Alfredo Alcalde en su texto curatorial. Y estoy totalmente de acuerdo con él.

Descendimientos

Hace un par de horas se inauguró la muestra y a mí se me antoja decir que hace un par de años nos reunimos en la misma sala de este emblemático museo barranquino, en la inauguración de "Los días y la Pintura". Y, más curioso aun, hace apenas un par de lustros, o quizás un poquito más, todavía deambulábamos por el patio de letras de la PUCP. 

El artista tuvo la gentileza de autografiarme el catálogo de la muestra

Cuesta creer que ha transcurrido tanto tiempo pero, en este caso, lo único que cuenta es que Iván nos ha confirmado su compromiso con el arte. Y eso hay que celebrarlo.

February 6, 2014

Continuum - Elizabeth López Avilés (Centro Cultural El Olivar)

Far from Heaven (2002) 
Directed by Todd Haynes 


Perhaps this is the most powerful Todd Haynes film I've seen. But in order to fully understand it one must first be privy to Douglas Sirk movies. Rather than a remake "Far From Heaven" is a diegetic exploration of melodrama as a film genre and it's firmly inserted in the 1950s cinematographic tradition. Not only it evokes the sensibilities of a particular era, it also recreates its true nature; everything (from illumination techniques to music, brilliantly composed by Elmer Bernstein) has a common goal. That is why Haynes' magnum opus elegantly confronts Sirk's work, mainly "All that Heaven Allows" and "Imitation of Life".

Once the film begins the viewer witnesses the harmless tribulations of a most perfect family, settled in an idyllic environment. Husband and wife are almost celebrities. Surrounded by success and smiling people, nothing seems to seclude them from happiness. Nonetheless, this is but a well elaborated façade, for Frank Whitaker, the man of the house, has succumbed yet again to his homosexual tendencies.


In a very conservative society, there is no place for someone who defies the heterosexual normativity. Perhaps, following the infamous Lacan's sexuation graphic, homosexuality symbolizes the abject, id est, the vilest and the lowest... Despite being a successful entrepreneur, Frank is an exscinded individual, but first and foremost he is a subaltern subject. In a way, there are more limitations for him than for black people (racism in 1950's America is also a very important theme in Haynes' production).

"negative" version of one my drawings

Peter Brooks and other intellectuals have analyzed the dynamics pertaining melodramas. For a melodrama to occur there must be a victim and a victimary; these stories cannot be fathomed without this binary equation (which, by the way, preexisted Sirk's movies). At moments, it seems as if Frank's wife is the victim, after all, not only must she cope with his husband's proclivities but also she must endure the domestic violence that takes place at some point. In addition to this situation, she must also struggle to hide the truth, although her husband makes that a difficult task (in the middle of a party he'll say aloud "It's all smokes and mirrors, fellas. That's all it is"). However, from one's standpoint it's clear that Frank is but a mere victim of society itself. If homosexuality, according to Lacan, is the representation of the interdict, then it's society who demands and reinforces this interdiction.


Homosexuality as an option is then socially banned. But at the same time it's also scientifically forbidden or at least invalidated. Frank's shrink assures him that this "disease" can and must be cured. There is treatment for it. Let's remember that American psychiatrist associations considered homosexuality as some sort of mental disorder until very recently, which just proves how narrow-minded certain doctors can be.


But the interdict acquires power precisely because of the nature of its prohibited condition. After all, nothing is more attractive than that which is not supposed to be… Lacan explains that the interdict is always libidinized. Homosexual intercourse becomes highly erotic because it's forbidden. Thus it's evident that even if Frank tries to live the life of a straight man, he will eventually give in to his innermost desires.


If Frank is a "masculine gay", unclenched from other generalized gay stereotypes, at least according to Judith Butler's Queer Theory, can he be absolved from his victim role? Absolutely not. Because Haynes film is a brilliant analysis of America, of sexuality, of repression and ultimately of the well-sought ideal of freedom. And Frank is the hero who will face all of these obstacles even if that means paying the highest price. 


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Aunque conocí a Elizabeth López Avilés hace ya un buen tiempo, recién pude apreciar su obra en el 2012, en la muestra "Silenciosa pasión" (que, por cierto, pueden revisar aquí). En ese momento, quedé cautivado por la minuciosa labor de la artista, por su delicado trazo y su innegable talento para la ilustración. 

Han pasado casi dos años desde que asistí a esa muestra, pero las imágenes de Elizabeth han permanecido en mi memoria. Ayer en la noche, en el Centro Cultural El Olivar de San Isidro, se inauguró “Continuum”, una nueva individual de la joven artista. 

Llegué temprano, desde luego, y nuevamente quedé extasiado por esos retratos tan cargados de emociones, que sobrevuelan los dominios del erotismo pero aterrizando siempre en el mundo de los dolores cotidianos, de las heridas, superficiales o profundas, con las que todos podemos identificarnos.


Como bien afirma el curador de la muestra, Iván Fernández-Dávila, al representar el propio cuerpo, al autorretratarse, la artista reflexiona “acerca de lo femenino en general”. Ciertamente, tal como proponen Ann Rosalind Jones y Hélène Cixous  “l'ecriture feminine” se plantea como una escritura del cuerpo y desde el cuerpo, y en la obra de Elizabeth López siempre encontraremos ese elemento en un primer plano.


Al tratase de un trabajo que requiere suma precisión, uno imaginaría que la artista habría tardado al menos un año en completar todos los cuadros. Yo mismo, luego de haber dibujado varios cómics y haberme familiarizado con la tinta china, conozco las complicaciones de esta técnica y comprendo que un movimiento en falso puede arruinar todo un lienzo. En el caso de Elizabeth, la labor es aún más complicada, porque sus finos detalles requieren muchísima más atención, y porque al utilizar acuarelas el error no le está permitido. Cuando mi amigo Iván me comentó que ella había terminado todos los cuadros entre diciembre del 2013 y enero de este año, quedé impresionado.


Por cierto, estamos ya en febrero del 2014, y sin embargo nadie debería sorprenderse al comprobar que no he escrito nada sobre arte desde fines del 2013. El motivo resultará obvio para muchos: es difícil encontrar buenas exposiciones de arte en Lima. Lo que uno encuentra, a menudo, es una yuxtaposición de propuestas que pretenden ser vanguardistas y que, en realidad, pecan por falta de creatividad. Es necesario, entonces, despojarse de esos antojadizos atavíos teóricos para desnudar la esencia misma del artista. Por suerte, Elizabeth López es capaz de hacerlo. Y todos nosotros deberíamos felicitarla y darle las gracias por tan estupendo arte. 


July 26, 2013

Akira Chinen - Espacio y forma (Centro Cultural Ricardo Palma)

Not a mainstream Doryphoros
After years of collecting I've become very careful with how I keep my comics. I have a special set of shelves with a capacity of roughly 2000 comic books. When I had the original idea my collection was smaller, over the years I have had to store a lot of comic books in other places. One day I am going to run out of empty places, and the collection is going to keep getting bigger, and then I’ll have to find a way to fix the problem. 

I’ve never bought a database program. Amazing coincidence (or comic addicts think alike) but I shared with a few friends pretty much the same database concept. This is how I keep tabs on my collection: I have name of the series (2000 AD is the first thing you are going to find, I like to do things alphabetically), number (I have a couple of hundreds comics from Spain, so I add another line to keep track of the different numbering), cover date (obviously no one is going to have the patience to figure out when exactly a comic book has been published), publisher, title of the story, I also write if it is the first edition or second edition, then Writer, Penciller, Inker, Colorist, Cover Artist, periodicity (mini, ongoing, one-shot, OGN, etc), language (I have comic books in Spanish). 


Por el amor de Hirst

And instead of notes I have something I like to call Comments (basically I write the same thing you would usually find in the solicitation texts, e.g.: “Juston Seyfert is about to make a discovery that will change his life: the ravaged remains of a giant robot buried in his family's salvage yard! But what could a downtrodden, disillusioned high school sophomore possibly do with a 30-foot tall engine of destruction? Anything he wants!”; and if I am especially inspired I write a little something about the issue, of course nothing as elaborate as the stuff I write for the blog). 

And that’s it. It took me a while to start doing this but now to update it is very quick. I love to reread too, the oldest comics in my collection have been read like twenty times, but the newest ones only two or three times.

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The walking Barbie

La primera vez que vi un cuadro de Akira Chinen fue en la Galería Shock, se trataba de uno de sus famosos “muchachos orientalizados” (término acuñado por mi amigo Iván Fernández Dávila). Un joven, en efecto, de rasgos orientales, silueta esbelta y torso desnudo que, ensordecido por un par de audífonos nos encaraba a nosotros –los espectadores– con una mirada desafecta, casi fría, mientras no apuntaba con una pistola. Curiosamente, una flecha señalaba sus oídos y otra, más sutil, partía de sus caderas, en dirección a alguna región ignota ubicada algunos palmos más abajo del ombligo. El cuadro me impresionó muchísimo, y aunque busqué el nombre del autor no lo encontré por ninguna parte. Pregunté a los galeristas y ninguno supo darme razón. Asumo que, al tratarse de una galería que recién abría sus puertas, todo estaba todavía en proceso de (des)organización. Sin embargo, en el transcurso de las semanas mis pesquisas dieron resultado. El artista de ese cuadro que tanto me había gustado era Akira Chinen. Por cierto, tuve la oportunidad de tomarle una foto al cuadro en cuestión y lo pueden ver haciendo click aquí


Han pasado un par de años desde que la Galería Shock cerró sus puertas para siempre, pero si no fuera por ese espacio barranquino yo no hubiera conocido a Akira. O quizás sí. Al fin y al cabo, él y yo hemos coincidido con frecuencia en diversas galerías, y tenemos muchos amigos en común, y todos ellos (Iván Fernández Dávila, Elizabeth López, Eduardo Deza, José Luis Carranza, John Chauca, etc.) asistieron  puntualmente a la inauguración de “Espacio y forma”, la magnífica muestra individual de Akira en la Sala 770 del Centro Cultural Ricardo Palma. 

my drawing: final version / mi dibujo: versión final

Yo también estuve allí, claro, aunque no tan puntal como los demás. Y nuevamente, como en el 2011, volví a sentir esa intensidad, ese embelesamiento y ese goce intelectual frente a los cuadros de Akira. Desde aquellos de gran formato y colores sólidos, hasta la genial serie de cabezas, que se compone de 20 cuadros en formato pequeño en los que el artista nos deslumbre con su creatividad. Se trata de una propuesta muy ingeniosa, que incorpora elementos de la contemporaneidad al clasicismo del canon artístico (ese es el caso, por ejemplo, de “Not a mainstream Doryphoros”, en el que el epítome de la belleza masculina de la Grecia Antigua adquiere un aire desconsoladamente ‘fashion’ y postmoderno), que se burla abiertamente de la comercialización excesiva que domina al mundo de las galerías (así, nos ofrece “Por el amor de Hirst”, una suerte de sátira visual del famoso cráneo con incrustaciones de diamantes de Damien Hirst, artista británico amado y odiado, siempre polémico, y multimillonario) y que reelabora los referentes de la cultura pop, combinándolos magistralmente en divertidas y subversivas imágenes (“The walking Barbie” es un ejemplo idóneo, aquí la muñeca tan codiciada por las niñas se convierte en una muñeca-zombie, con la mitad del rostro putrefacto). El amor por los detalles, el trabajo minucioso y la belleza de la obra de Akira Chinen han superado mis expectativas. 


April 4, 2012

Los días y la pintura - Iván Fernández-Dávila (Museo Pedro de Osma)

Victim (1961)
Directed by Basil Dearden


Dirk Bogarde (famous for his main role in "Death in Venice") is Melville Farr, a most successful lawyer that has gained acceptance in the Chamber of Lords and is about to become a judge. He's wealthy and famous, he lives more than comfortably and he is married to a beautiful woman. Is he the perfect man? Well, he would be for any open-minded individual, but not for those of more traditional upbringing.
Museo Pedro de Osma

Melville Farr defies law, his acts mock morality, and his thoughts are not of a decent nature. He is, after all, a man doomed to survive in a time in which homosexuality was a crime, a time in which exposing his true nature would have meant being imprisoned.

At the beginning of the movie, a young man nicknamed 'Boy' is searching for him. He calls him constantly but the more desperate he gets in trying to reach him, the more Melville Farr eludes him. Farr has spent time with Boy, perhaps too much, and because of this intimacy he fears that he may be heinously extorted. The truth is, however, that Boy is the one being blackmailed by someone who has discovered his homosexual tendencies and has a compromising photography of the young man and the prestigious and well-respected barrister. Set in the early 60s, this film courageously denounces what could be, perhaps, one of the most unfair rules in Britain: the criminalization of homosexuality.

Judith Butler studied postmodernist and poststructuralist theories to define the "subject" relying in linguistic terminology, not unlike what Jacques Lacan attempted while coming up with terms like the symbolic order (the system of signs and conventions that form our perception, our very reality). Compelled "by social sanction and taboo", society learns to discriminate those who oppose the heterosexual norms. As a result, our belief in "natural" behavior is really the result of a mixture of indirect and flagrant coercions. Repudiation towards gays, lesbians or bisexuals becomes necessary for the standard subject to establish "an identification with the normative phantasm of sex".

For Butler gender is a construction that regularly conceals its genesis. And that genesis is not physical but performative; the body becomes its gender only "through a series of acts which are renewed, revised, and consolidated through time" (through a certain performativity that varies in each culture, one might add). Should we critique the assumptions of normative heterosexuality? Certainly those punitive rules (social, familial, and legal) have forced us to conform to hegemonic, heterosexual standards for identity.
my drawing / mi dibujo

It's only fitting then, that the protagonist of "Victim" is a man of law, and through sheer performativity, in this case the kind of performativity that also sustains and nurtures the law, he will face a most difficult dilemma. After Boy's capture, police officers start investigating the origin of the extortion. As a consequence, Melville will no longer be able to ignore this situation, as he would have preferred to do. Why is this a dilemma? He can't confess to the police the fact that he had a relationship with another man, as that is forbidden. But, at the same time, he cannot let the blackmailers get away unpunished.

As he starts investigating who could be responsible of blackmailing Boy, he digs deeper and deeper into London's gay scene. He meets men that sleep with men, people that forever hide in the shadows, and soon he learns that there are many homosexuals paying money to avoid being exposed.

At the end, he must make a final stand. If his decision is to stop the criminals that threaten to destroy so many lives, he must first collaborate with the police and come forward embracing his true sexuality. That, of course, guarantees the end of his brilliant career, all of his professional ambitions will come to a halt should he decide to tell the truth. But at the same time, and this is most notorious, by playing by the rules, he also has the opportunity to perform in front of a jury, and as the nature of law is similar to the conformation of human habits, id est, it's prone to change and alteration, here performativity can also turn into the necessary coup de etat to vanquish a most ruthless law.

"Victim" was a brave production and a most controversial film in a difficult time, tackling an aspect of British law that would compare the simple fact of being gay to an arm robbery, thus condemning homosexuals to be locked behind bars, no matter how peaceful or harmless they could be. Butler's project has been so far to quote the law in order to reiterate and coopt its power, to expose the heterosexual matrix and to displace the effect of its necessity. If Farr decides to confess he's gay to his wife and to the world, he will have one chance, one shot at exposing the heterosexual normativity and undermine it long enough for people to accept that, perhaps, against everything they have been taught, an option different from heterosexuality might not mean the end of the world.

My review on IMDB.
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Conocí a Iván Fernández-Dávila hace varios años, cuando estábamos en estudios generales letras de la PUCP. Me lo presentó mi amigo de toda la vida, Juan Carlos Gibson, y yo en ese entonces andaba bastante desconectado del entorno universitario, así que nunca supe que Iván y yo teníamos mucho en común. Tuvieron que pasar varios años hasta que nos volvimos a encontrar, en alguna galería de arte del circuito limeño. Sin duda, nuestro interés por la pintura y por las propuestas artísticas nos hicieron coincidir en más de una ocasión, pero yo, tan desmemoriado como siempre, o quizá levemente distraído por la cantidad de copas de vino que suelo tomar, no lograba recordar su nombre. Tuvieron que pasar meses hasta que por fin logré ubicar a Iván, y pude finalmente comentarle a Gibson que ahora, una década más tarde, por fin me había conectado con mi entorno, con el arte y con los viejos amigos.

El artista tuvo la amabilidad de autografiarme el catálogo de la muestra


La muestra individual de Iván se titula “Los días y la pintura” y me ha permitido tener una visión más amplia de su obra. De hecho, debo confesar que hasta el día de ayer solamente había visto un cuadro de mi amigo Iván, en la muestra "El diálogo y la guerra sobre el lienzo". Ahora, en cambio, he podido apreciar la gran sensibilidad de Iván y discernir los fundamentos de su propuesta. Con estos cuadros al óleo, el artista comparte con nosotros sus preocupaciones, y en cierto modo sublima sus demonios internos con un estilo fuerte e indeleble. Si bien Iván se ha inspirado en su entorno, en su propio mundo, no por ello sus cuadros dejan de evidenciar momentos reveladores, casi como los lapsus linguae que Sigmund disfrutaba tanto analizando. Así, en cuadros como “Sábado” o “Pintor y Modelo” vemos los pies del artista irrumpiendo en la sugestiva imagen de la mujer desnuda (más que una donna angelicata una mujer real, de carne y hueso), como si la anatomía del artista invadiera un espacio que no le es propio. Y al fin y al cabo, lo cierto es que los cuerpos dejan de tener de propietarios al momento de ser transfigurados en líneas, en trazos, en color. Iván y Elizabeth dejan de ser los amigos que conozco para formar parte del mundo del arte.
Los griegos

Me encantan los trazos fuertes, sentir cómo el óleo ha sido aplicado con fuerza, quizá con fiereza, y al mismo tiempo siento que hay un equilibrio con las pinceladas más tenues, más ligeras. La paleta de colores de Iván tiene predilecciones por los tonos rojizos, y de hecho, su cuadro “El sueño” es uno de los que más impresionó a los que asistieron a la inauguración de la muestra. Allí impera el rojo pero también la sensualidad, la promesa del goce aún en estado soñoliento. Otro cuadro que llamó mucho mi atención fue “Los griegos”, en donde la figura del cuerpo masculino guarda cierta semejanza con las posiciones que podemos ver en las esculturas post-micénicas y helénicas, y sin embargo esta forma de la disposición del cuerpo se adapta, se doblega ante el estilo propio del artista.
El sueño

En el transcurso de la noche me encontré con amigos como Asad López de Castilla y Renzo Núñez Melgar Vega. Hace poco los visité en su taller y he quedado maravillado con los cuadros que están preparando para futuras muestras, además, como ambos son fans acérrimos de The Walking Dead siempre nos quedamos hablando sobre el tema. Conversé brevemente con Julio Garay, Eduardo Deza y José Medina (editor de Art Motiv). También saludé a Saúl Peña Kolenkaustky que seguramente comprará uno de los cuadros de Iván, demostrando una vez más que siempre ha tenido buen ojo para el arte (no en vano la colección de arte que tiene en su casa es realmente extraordinaria).

Juan Carlos Gibson también estuvo presente, por supuesto, como debe ser. Y al final de la muestra, dejamos el museo Pedro de Osma y nos dirigimos a Mochileros, para terminar la noche con algunos tragos más, que nunca están de más. Nos acompañó el multipremiado artista John Chauca, que según Gibson es una buena influencia para mí porque es una de las pocas personas que logra persuadirme para tomar cerveza. Y también Hugo Salazar, uno de mis artistas favoritos. De Chauca ya he comentado un par de muestras aquí y aquí, y también la última de Hugo. Creo que estuvimos conversando por casi tres horas, entre las anécdotas gibsonianas del patio de letras de la PUCP, los chistes de Chauca y las bromas de Iván, el tiempo pasó volando.

La muestra permanecerá abierta al público hasta el 26 de abril en el museo Pedro de Osma (avenida Pedro de Osma 423, Barranco). Les recomiendo que se den una vuelta y la visiten.

Arcadio B.